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　　早在2002年，作为首部登陆中国大陆的西方经典音乐剧，《悲惨世界》在上海大剧院开启了中国音乐剧市场的“破冰之旅”，彼时21场演出的票房神话，启蒙了一代音乐剧观众。此次40周年纪念版回归，将全国剧迷的热情推向高潮。从十岁孩童到七十余岁的长者，观众群体几乎覆盖全年龄段，外地观众占比近60%，北京、广州、杭州、成都等地的剧迷组团观演，有伦敦西区的观众打“飞的”来沪，更有“大悲”铁粉累计观看三十余场，用热情印证了这出剧目穿越时空的魅力。

　　作为“百老汇华裔第一人”，王洛勇回忆，1995年夏至2021年冬出演《西贡小姐》期间，他曾多次受到鲍伯利和勋伯格的鼓励。“从初次选角面试起，他们便不厌其烦地纠正我的英文发音……后来我获得‘工程师’一角，只要他们有时间，总会来到我的化妆间，拿出随身携带的小本子，将具体建议逐条告诉我……勋伯格总把我拉到一旁轻声提醒：‘请不要随意使用滑音和颤音。’他们对我重复最多的一句话是：无论如何，就用你的感觉去讲故事！”

　　1988年冬天，时任上海交响乐团总经理钱世锦在赴美考察期间第一次接触《悲惨世界》。“此前，我压根不知道什么是音乐剧。在上海音乐学院求学期间，我曾系统上过两年《西洋音乐史》，了解的都是歌剧、交响乐、芭蕾等艺术形式。到了纽约，一个老同学对我说：‘你到这里不去百老汇看场音乐剧，等于没来过美国！’他给了我些剧目，我就选了自己熟悉的世界名著《悲惨世界》改编的音乐剧。不料，几天后，朋友回复：‘《悲惨世界》的票子一年前就卖完了！你这次看不到了！’”

　　麦金托什公司提出，要把《悲惨世界》搬上大剧院舞台，必须要有飞机运送全部舞台道具。当时，国内主要采用海运。于是，钱世锦四处联系租借货机事宜。从上海到北京，从客机问到货机，还要寻找提供“门对门”的货运服务……这只是谈判开始的第一个难题，为确保演员每天能穿到整洁的戏服，大剧院还斥资为这次演出买了两台大型干洗机……经历四年多的谈判，钱世锦和他的同仁们齐心协力克服了种种挑战，直到2001年最终与麦金托什公司达成协议：《悲惨世界》将作为中国第一部引进的原汁原味的西方经典音乐剧于2002年6月下旬来到上海。

　　“那天是2001年9月11日，上午我们在伦敦麦金托什总部与对方达成协议，正打算同去中国城享用午餐，传来了震惊世界的‘9·11’事件的消息。当晚，麦金托什邀请我们在伦敦再次观看《悲惨世界》，由于白天发生的灾难，许多观众没能抵达伦敦，剧场里几乎一半空座，现场气氛格外凝重。开幕前，广播要求全体观众起立为在纽约遇难的人默哀。站在略显空荡的剧场里，我心感哀伤：这个世界线年，音乐剧《悲惨世界》在上海大剧院首演，工作人员与音乐剧创作团队合影

　　随着现场乐队奏响经典序曲，木质街垒造型的灯架缓缓升起，雕塑般的舞台布景随之铺展，将观众瞬间拉回19世纪的法国巴黎。在两个半小时的音乐会版本演出中，一曲曲承载角色命运和时代悲欢的旋律接连响起。芳汀哀婉地追忆《我曾有梦》，唱出她心中对温柔世界的渴望；小珂赛特以纯净通透的童声演绎《云端城堡》，雨果笔下的孤女形象瞬间鲜活；爱潘妮孤单地行走在巴黎街头，《独自一人》承受着单相思的苦楚和折磨；冉阿让以醇厚嗓音裹挟着无限牵挂，《带他回家》宛如灵魂深处的祈祷，将他的挣扎和坚守诠释得淋漓尽致；第一幕的“终曲”在冉阿让的领唱下，所有角色加入合唱，多重声线交织，《只待明日》的力量感穿透全场，将起义前夕悲愤昂扬的气氛推向高潮……

　　“这部剧让我震撼的是，初听你可能觉得它和其他音乐剧一样，有些非常好听的歌曲，故事也由名著改编，但若仔细分析，你发现它的音乐架构是交响乐式的。”陶辛以剧中歌曲为例解析道，“《悲惨世界》的音乐构造，实际由两大核心材料组成。一是开场那段旋律，整个戏的大部分歌曲都由它演化而成，包括神父的慈悲主题和冉阿让的救赎主题，甚至小珂赛特的那首《云端城堡》。这是古典交响曲的思维，用一个简单的音乐材料去生成不同的主题。交响曲还有个特点，通常有个对比主题。如果我们把前面这个称为‘苦难’主题，这部剧里还有个‘梦想’主题。你肯定会想到芳汀那首绝唱《我曾有梦》，其实沙威那首《繁星》也由这个旋律变形而来，沙威也是个理想主义者，不是纯粹的坏人，所以‘梦想’主题同样赋予了沙威这个角色。再往后那首重要的合唱《你可听到人民在歌唱？》，‘梦想’主题的分解接续‘苦难’主题，在这首歌里两个主题合在一起了。当我发现这点时，叹服不已，一个音乐剧可以写成这样，藏着这么多东西！所有这些手法的目的都是为了造就出丝丝入扣、引人入胜的音乐戏剧效果。与那种‘动听’曲调大串连的结构相比，这部作品要复杂和‘严肃’得多。所以，《悲惨世界》这部剧在我心中占据着‘没有之一’的No.1，至今依然如此。”

　　除了音乐，《悲惨世界》的舞美灯光设计也堪称一绝。在战斗场景中，急促闪烁的冷光交织穿梭，模拟出枪林弹雨的紧张对峙，让观众仿佛置身于巴黎街垒现场；演员独唱时，暖黄光晕包裹周身，明暗随歌声起伏而变化，渲染出人物的细腻情感……每当剧情触及心灵深处，一道象征希望的净光倾泻而下，呼应《悲惨世界》爱与救赎的核心主旨，作品的舞美与剧情、音乐契合。陶辛评价：“在对雨果原作的转换上，音乐剧《悲惨世界》似一部立体的多媒体连环画，既保留了原作的故事框架，又展现了剧场艺术张弛有度的叙述方式……准确传达了这部现实性、寓言性和预言性兼备的宏篇巨作的基本精神。”

　　拥有“大悲”情结的剧迷覆盖了不同年龄层。音乐剧爱好者（网名“都灵板蓝根”）追忆：“从初中认识音乐剧，到高中语文课上以自由的主题介绍这部史诗，再到今夜上海大剧院里最后一个音符落下——我终于在《悲惨世界》40周年音乐会现场，完成了这场贯穿整个青春的奔赴。”网友“郑茹心zrx”在人生不同季节走进“大悲”：“第一次看《悲惨世界》是在高中时，爱的是剧中人物胸怀壮志、无畏抗争的精神；10年后再看《悲惨世界》，爱的是剧中人物即使在苦难的包裹之下，依旧能够做出爱与善良的选择。”

　　2002年《悲惨世界》首登上海时，国内音乐剧市场尚处萌芽阶段，西方经典音乐剧对多数观众仍是新鲜事物。彼时，《悲惨世界》的演出堪称“音乐剧启明星”：多数观众首次踏入剧场，不少人的音乐剧认知便始于这部经典之作。“2002年我12岁，此生观看的第一部音乐剧就是《悲惨世界》。那天下着特大暴雨，我上完钢琴课，我的钢琴老师带我来到上海大剧院。大雨里撑着伞，她求黄牛卖给我们一张500块钱、三楼最边上的票，因为再不买就进不去了。要知道，那年最后，《悲惨世界》连站票都被抢光了！”青年音乐剧导演、制作人周笑微追忆少时初看《悲惨世界》的经历，“我当时英文并不好，但看到最后，冉阿让临死前，躺在修道院的一张摇椅上，像根将残的蜡烛，他想起这一辈子遇见的人：他救过的芳汀、一路追杀他的沙威、他视如己出的珂赛特……最后所有人都出现，包括那些死去的亡灵，那一场我哭得稀里哗啦的，然后我跟旁边的钢琴老师说：以后我就要做这个（音乐剧）！12岁那年许下的愿望，成了我这辈子追寻的目标。”

　　2002年，费元洪还是上海音乐学院在读研究生。《悲惨世界》在上海大剧院上演时，剧院邀请他参与歌词译配并负责现场字幕操作。“接到这个任务，我满心欢喜，因为《悲惨世界》来上海前，那时大街小巷卖的DVD、打口碟已深入人心。我一路哼着《悲惨世界》的曲调、骑着自行车回家。那年正式演出21场，加上两场彩排，我一共打了23场字幕，连续看了23场。当时打字幕的地方是在剧院11排边上靠近贵宾通道的一个角落，我融入现场，观感极好，距离也近，看得非常过瘾，常边看边流泪，我差点因为看剧入迷忘了打字幕。”连看23场后，“我就彻底入坑了音乐剧。当时我的专业是通俗音乐研究，我就跟导师商量，毕业论文想往音乐剧方向转。可能内心也感到这是个较有发展前景的领域，因为它融合了音乐、戏剧、舞蹈等各种元素，感觉这个世界很大、很丰富。几年后我更意识到，《悲惨世界》在中国音乐剧界是个里程碑式的存在，随着时间推移，它对中国音乐剧的发展和作用更凸显出来。能遇上《悲惨世界》，是我的幸运。”

　　《悲惨世界》的破冰效应持续发酵，自2002年引进后的十年间，《音乐之声》《剧院魅影》《狮子王》等经典作品相继登陆中国，进一步拓宽了中国观众的艺术视野；《妈妈咪呀！》《猫》《剧院魅影》等作品的中文版更是迅速打破语言隔阂，让观众更易走进剧场；近年来，除了百老汇音乐剧，中韩音乐剧、德法音乐剧也渐渐被中国观众接受和喜爱。2011年左右，费元洪投身以音乐剧演出为核心的上海文化广场的工作。十多年来，上海文化广场已然成了音乐剧演出的重要地标。2025年岁末、2026年年初，在上海文化广场，德语原版音乐剧《伊丽莎白》刚圆满收官，紧接着又将迎来法语原版音乐剧《巴黎圣母院》的回归……

　　雨果生于1802年，卒于1885年。他与他笔下的冉阿让一样经历了“法国大革命”的余震。1830年，查理十世的高压专政触发了七月革命，被迫退位，路易·菲利普加冕为王，但阶级对立依然剑拔弩张。经济萧条笼罩了城镇和乡村的每个角落。1832年，一场霍乱在巴黎的贫民中蔓延开来，也夺去了拉马克将军的性命，他是保皇党的死对头，是人民的好朋友。他的葬礼成了导火索，学生和工人在悲愤中筑起一座座街垒，呐喊、起义——这一幕作为高潮，被雨果写进小说《悲惨世界》，也被鲍伯利和勋伯格谱成了音乐剧的最强音。

　　40年间，世界历经变迁，但人们对良善的坚守、对救赎的渴望、对希望的追寻从未改变，这正是音乐剧《悲惨世界》能够穿越时空、持续打动观众的魅力所在。诚如麦金托什所言：“自从雨果写下这部小说，《悲惨世界》便始终是大众的宠儿，而音乐剧的诞生与传承，也恰如其分地延续着他那伟大的遗产。它是一部真正属于人民的音乐剧——人们创造它，人们拥有它，一代代人接力前行，加入这场共同的‘征途’，只为确保那句誓言永远生效：‘明天总会如约而至。’”

　　太多了，这是一个非常难演的角色。在我更年轻的时候，整个故事的表演对我来说都非常困难，无论是演唱还是肢体表演。如今我差不多步入中年，不像开场白中那么年轻，也没老到垂死的样儿。但整个旅途非常艰难，这个角色对人声的要求非常高，这也是为什么全球没有几个人能演冉阿让。我们这一小群扮演者彼此都认识，结下了兄弟般的情谊。扮演冉阿让的我们不少也扮演《歌剧魅影》里的“魅影”，大家都是朋友，能够扮演冉阿让是我们的荣幸。

　　我需要时刻提醒自己，可能我已演了几百场，但对观众而言，或许是他们第一次观看这部音乐剧，要给他们独特的体验。这就是为什么我们需要始终在能力范围内保持极高的水平，这是最难的。我们需要奉献给观众最好的声音和情感表达，这是每位音乐剧演员都面临的挑战。我们就像体育运动员，极其自律，时刻准备着呈现出最佳状态。你看到参加奥运会的运动员每天都在训练，为比赛做准备。我们也一样，每周7天，我们夜里不去酒吧、派对，要保证充足的睡眠，放松我们的肌肉，时刻关注我们的嗓音和健康。《悲惨世界》本身就是个动人的故事，这出剧又有了最好的音乐，对演员的要求很高，我们每天晚上都要经历这些音乐和跌宕起伏的情感。

　　这首歌其实是一个祷告，它真正的歌名是《祈祷：带他回家》，当我们祷告时，我们向上帝祈求，为他人代求。如果没有对象，你的情感就不是真的，所以每次演唱这首歌曲时，我会借此祈祷，不只是歌中的“他”马吕斯，我会为亲友祈祷。例如这次在上海演出，我的一个朋友失去了亲人，我演唱这首歌时想起他，我就为他祈祷。这就是为什么这首歌曲对每个人来说都如此感人，因为我们渴望这种真诚的情感。我发现祈祷是最接近真实的方式。每次开口演唱这首歌曲前，我会静默，想下某个我要为之祈祷的家人或朋友。我自2010年开始演唱这首歌，我最动情的几次演唱通常是我在为某人祷告。

　　剧中有几个场景，其实呈现了沙威隐藏的软弱。尤其是当他与冉阿让对抗时，他内心充满挣扎，是有点慌乱的。音乐剧中关于沙威的背景呈现不多，但如果你去看小说原著，沙威生在监狱，母亲的身份类似，父亲是个苦役犯。他身上有种说不出来的刻板和廉正的特质，对于自己出生的这个阶层，他怀着一种难以言说的仇恨。他来自那个“悲惨世界”，他想把自己拽出那个世界。在他眼里，自己成为了一个更好的人。小说的这些背景就像一道闪光，你可以借此看见沙威的内心世界，但在音乐剧里这些被省略了，直到冉阿让在街垒一战时显出对他的仁慈，把他放了，沙威突然不知该如何应对了。我认为在这个时刻，他几乎崩溃了，因为这不是他所相信的，突然间有人表示出了对他的同情。“救赎”和“怜悯”是这部剧的核心主题，当这一切发生时，沙威突然间失控了，他的所有信念都被抛到九霄云外，这让他极其困惑，在我看来，这一刻也显示了他“柔软”的一面，他坚硬的外壳裂开了。是的，你看到——他是一只受伤的狼。